中国当代水墨年鉴七周年跨年展：答案之外-南京艺术学院美术馆

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中国当代水墨年鉴七周年跨年展：答案之外

12月10日，“中国当代水墨年鉴七周年跨年展：一个群展中的五个个展ABCDE”在南京艺术学院美术馆开幕。此次展览是“年鉴展”第三次亮相南艺美术馆，在南艺美术馆馆长、展览艺术总监李小山相继提出“闭环” “进退”的命题之后，继续秉持严谨的学术态度，在七周年之际，另辟蹊径地将群展与个展两种形式既清晰明了、又模糊暧昧地呈现在同一空间，五位艺术家刘丹、魏青吉、武艺、邢庆仁、徐华翎，相互呼应又互不干扰，以五个独立个体的问题意识和创作脉络，联袂演绎了这场无主题的展览。

展览现场

在一个群展里谈五个个展的问题，不是一件容易的事。“一个群展中的五个个展ABCDE”，南艺美术馆副馆长、策展人林书传指出“这句话是个大白话，言简意赅，但同时这个标题又很难解释。为什么是五个人，因为我们需要“E”，因为ABCD在选择题中永远有正确的答案，所以“E”是一种对正确的反思，它可以是任何艺术家。关于五位艺术家挑选，艺术家既是瞬间的，同样是深思熟虑的。在宏大的水墨概念中，尽量微观一点，如果水墨是有性别的，那么我们挑选了徐华翎；我们想知道水墨需不需要素描关系，那么我们选择了刘丹；我们觉得水墨是一种可互通的材料，那么我们选择了武艺；我们觉得水墨有地域概念下不可替代的土壤性，那么我们选择了邢庆仁；我们觉得涂鸦是不分肤色与材料的，那么我们选择了魏青吉。这些问题不大，不整体，甚至无法拼凑在一块，也有些老生常谈。微小有微小的过程，行动有行动的意义，这是中国当代水墨年鉴七周年的展览目前所想到的。

刘丹：从微观到宏大，横跨43年的代表作品

刘丹是1981年首批移民美国的中国艺术家之一，从20世纪90年代起，他一直是当代中国绘画新宋画和照片现实主义的主要倡导者。

此次展览中，刘丹选取了创作于1979年至2022年的14件代表作品，横跨43年之久。创作于1979年的《敦煌》，是他移居美国前于敦煌游览时所创作，工笔线条流畅，水墨晕染纯熟。刘丹的习惯是在水墨图卷之前先起素描稿，所以现场展出了他90年代及至2020年的一组素描稿。他在采访中说：“中外艺术家在创作之前，都有一个起稿的过程。在我们中国，我们传统称为粉本，这个‘粉’，讲的是碳笔，在碳笔的基础上，用毛笔勾描定稿，中国的粉本也可以说是古代的‘素描’。我认为素描是不分东西方的，只是我们中国在工具材料方面，强调使用毛笔定稿。”

刘丹的绘画风格从不轻易局限于任何既有的范畴，展览上能看到他在传统东西方风格之间的清晰对话，悠远山水、雄奇怪石、独特的花卉，或是气象恢宏的、或是意境深远的、或是充满诗意的，都是他的绘画实践。

魏青吉：提示出看待世界的不一样思路

在新一代的水墨画家中，那种批判性已经消散，他们在某种程度上说不再是忿忿不平地说“不”，而是冷静地在探索着“我们可能、可以做些什么”。因此，魏青吉作品的意义不光在于画面本身的意味，而在于他那种轻松的态度揭示出了一种新的态度，暗示着一种新的可能性；他用他的实践告诉我们，重要的不是“水墨是什么”，而是“我们能用水墨来做些什么”。（皮力）

魏青吉的作品一直在东西方之间借鉴和游荡，展览作品分别集中在2000年前后以及2020年前后。作品中既有消费文化流行符号米老师、购物册，又有中国传统符号松树、梅花、太湖石、鹿、仙桃、葫芦……他以外来文化的社会标志物为题，融合了东方特色的水墨语言，层叠的浓黑墨水淡化了外来物的形象和历史感，个性化的表达增强了画面的张力，引诱观众将记忆转化、重新组合和使用，生成一个新的图像，并产生游离于两种文化之外的引申意义，从而使他的作品获得了跨文化的广泛传播与共鸣。

武艺：用作品回应每一个时代

林书传说：“我们在挑选武艺老师作品的时候，其实有意识地设定了时间线索。”

《高压锅》是武艺1981年的水彩静物，这是他进入写生的开始。武艺介绍说，挑选作品的时候，仿佛又把他拉回了当时创作的场景，“当时父亲给我摆了一组静物，然后他就上班了，我就画了两天下午完成的。”除了初中时的第一张水彩，还特意选取了武艺本科毕业创作作品、研究生毕业创作作品，甚至是实验水墨、新文人画的时代，武艺都有同一时期的作品去回应。

武艺说：“这40年，不仅是美术史上的一个阶段，而是中国社会快速发展的变革，我的每一组作品背后是社会和人的关系，反映的是我如何看待我周围的状况，如何看待这个时代进步和社会发展。当我把这些作品呈现出来的时候，也给了我自己一个很大的触动。”

邢庆仁：把握一个尺度，就是以艺术为上

邢庆仁以表达陕北的历史主题和黄土高原的生活气象为著称，此次展览他选择了近60件2000年之后的作品，采访中他用一口浓重的陕西话说到：“这次的展览策展人都不告诉我展览主题是什么，只是跟我说，以学术为准，我当时就笑了。我说那肯定是一个好展览！所以我在准备作品的时候，不管是每一幅巴掌大的小画，还是丈二的大画，都得把握一个尺度，就是以艺术为上。”

邢庆仁的作品是非常有个人风格和创作线索的，他一直在用作品回应一个艺术家的地域性和土壤性的问题。邢庆仁注重乡土题材，关注的是一种日常话语。他作品所定的场景，大都是我们平常所见。不管是乡村还是城市，或在街头、室内，或在院内，很多司空见惯，平淡无奇的人、物、景，在他的笔下却生出令人魂牵梦绕的感动。沉重与困苦被以平缓的讲述语调所覆盖，成为单纯的直白，遂形成一种不深刻的深刻。

徐华翎：窃窃私语和快意恩仇

徐华翎被视作中国画工笔绘画领域年轻一代最富有实验精神的代表性艺术家，她也是从中国当代水墨年鉴展举办最初，一直陪伴至今的参展艺术家。

展览中有观者所熟知的《花园》《若轻》等代表系列作品，徐华翎以婉约的笔调描绘了具有“内窥”特征的“自我”身体。她的这些作品让人们联想到女性只有在私密空间内，才能自由展开的对于自己隐密胴体的省视。这种省视，既包含女性意识的自我爱恋与抚慰，也具有对于现代社会生存焦虑的一种精神释放。展览现场，粉色的区域划分也正是为了配合这种安静、私密与柔软。

《侠女》系列是徐华翎主线创作之外的一次出走，还是在绢上，在细密的丝上，徐华翎把她少女时一切的幻想、一切的狂野之心画了出来。心理上，她完成了一个绝密的私愿。翁美玲、戚美珍与赵雅芝、黄杏秀是金庸的载体，也是徐华翎的载体，在她看来那些电视机中隐隐绰绰的影像，却拥有感人至深的力量，但她也清楚这一切终归是一场虚幻，于是画面中便出现了那行字：www.xianü.com，ü上的两点就成了这“盗梦空间”里的陀螺。